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Vasija de cerámica de la cultura Ninevite V

Vasija de cerámica de la cultura Ninevite V


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Cerámica de la cultura de Mississippian

Cerámica de la cultura de Mississippian es la tradición cerámica de la cultura de Mississippian (800 a 1600 EC) que se encuentra como artefactos en sitios arqueológicos en el Medio Oeste y Sudeste de Estados Unidos. A menudo se caracteriza por la adopción y el uso de agentes de templado de concha fluviales (o más raramente marinos) en la pasta de arcilla. [1] El templado de la concha es uno de los sellos distintivos de las prácticas culturales de Mississippian. El análisis de las diferencias locales en materiales, técnicas, formas y diseños es un medio principal para que los arqueólogos aprendan sobre las formas de vida, las prácticas religiosas, el comercio y la interacción entre los pueblos de Mississippian. El valor de esta cerámica en el mercado ilegal de antigüedades ha provocado un gran saqueo de sitios.


Artefactos

Haga clic en las imágenes de abajo para ver las antigüedades en 3D.

Taza de alabastro blanco poco profundo con base redondeada, utilizada con fines ceremoniales. & # 160 De Tell es-Sawwan, 5 ° milenio, antes de Cristo. & # 160 H: 2,5cm F: 4,6 cm

Cuenco blanco

Cuenco decorativo de alabastro blanco. De Uruk. Alto: 3,0 cm Fondo: 7,1 cm

Tetera

Copa de barro Glazer con pico. De Ashur. Alto: 7,5 cm Fondo: 9,0 cm

Placa de pájaro

Placa de terracota que muestra la figura protectora del Nisroch humano con cabeza de pájaro alado, con cono y cubo. De Ashur, período neoasirio, primera mitad del primer milenio antes de Cristo. Alto: 12,5 cm Fondo: 5,5 cm

Plato

Cuenco abierto parto vidriado en verde, del siglo II al I d.C. Profundidad: 19,0 cm

Jarrón de arcilla Ninevite

Jarra de cerámica, cerámica Ninevite V. De Nínive, primera mitad del tercer milenio antes de Cristo, encontrado en. Alto: 12,0 cm

Copa jaspeada

Cuenco abierto parto vidriado en verde, del siglo II al I d.C. Profundidad: 19,0 cm

Florero grande

Jarra de cerámica vidriada verde con patrón peinado y dos asas. Alto: 32,0 cm Fondo: 5,6 cm

Um grande

Tarro grande de mármol blanco con dos asas y un labio grueso. Alto: 30,5 cm Fondo: 27,5 cm

Florero verde

Tarro de cerámica vidriada verde. Alto: 9,7 cm Fondo: 5,6 cm

Figurilla de diosa

Esta pieza, una figura de arcilla de una mujer del período de Samarra, se encontró en Tell Songor A. La estatua de 10,2 cm data del 5000 a. C.

Losa con inscripciones cuniformes

Tablilla de arcilla con escritura cuneiforme. De Nimrud, período neoasirio, primera mitad del I milenio antes de Cristo. Alto: 5,9 cm Fondo: 6,0 cm

Vasija mittana

Tarro de cerámica pintada. De Ashur, período neoasirio, primera mitad del primer milenio antes de Cristo. Alto: 9,0 cm Fondo: 7,0 cm

Tablilla cuniforme con sello

Además de la escritura cuneiforme, esta tablilla muestra una impresión de un sello cilíndrico. Período neoasirio, primera mitad del primer milenio antes de Cristo.

Tablilla cuniforme neoasiria

Esta tablilla de arcilla muestra escritura cuneiforme temprana. Período neoasirio, primera mitad del primer milenio antes de Cristo

Olla de barro Ubaid

Tarro de cerámica pintada. Período Ubaid, principios del IV milenio antes de Cristo. Alto: 10,0 cm Fondo: 7,0 cm

Figura masculina neoasiria

Figura masculina de terracota de deidad protectora. De Ashur, período medio-asirio. Alto: 11,0 cm Fondo: 2,0 cm


Los indios Pee Dee

Las personas que vivieron en el sitio de Town Creek durante su apogeo han sido referidas como los "indios Pee Dee" y su estilo de vida distintivo, la "Cultura Pee Dee". El sitio en sí está ubicado en la orilla oeste del río Little, cerca de su confluencia con Town Fork Creek, en el condado de Montgomery. Unas millas río abajo, el Little River desemboca en el [río] Pee Dee, que se convierte en el Great Pee Dee cuando atraviesa el noreste de Carolina del Sur para desembocar en el Océano Atlántico.

Las excavaciones revelaron que el montículo en Town Creek se construyó sobre una estructura rectangular temprana que se ha descrito como una cabaña de tierra. Postes individuales colocados en agujeros formaron las paredes de la estructura. Luego, la tierra se apiló en un terraplén alrededor de las paredes y sobre el techo para crear la "cabaña de tierra". Finalmente, esta estructura colapsó. Se cubrieron sus restos y el área circundante, creando un montículo de tierra bajo que sirvió de plataforma sobre la que se erigió un templo o casa de pueblo. Esa estructura finalmente se quemó. Sus restos carbonizados también fueron cubiertos por una gruesa capa de tierra, que sirvió para agrandar y realzar el montículo original. Se construyó una segunda estructura, idéntica a la primera, sobre el nuevo montículo.

El montículo en Town Creek daba a una gran plaza o área pública donde se llevaban a cabo reuniones públicas y actividades ceremoniales. Varias estructuras, incluidas algunas que sirvieron como casas funerarias o mortuorias, se construyeron alrededor del borde de la plaza. El montículo, la plaza y la zona de habitación estaban encerrados por una empalizada hecha de postes muy ajustados. Se ha encontrado evidencia de cinco episodios de construcción de empalizadas. Todo menos la última empalizada estaba antes de que se construyera el montículo.

Aunque no es visible como el montículo, igualmente impresionante es la gran cantidad de entierros humanos en Town Creek. Se cree que un total de 563 entierros están asociados con la cultura Pee Dee. Varias de estas tumbas están agrupadas en áreas mortuorias. La mayoría de los individuos fueron enterrados en fosas simples con sus cuerpos dispuestos en una posición ligeramente flexionada. Algunos fueron enterrados con sus cuerpos completamente extendidos, y un pequeño número de individuos parece haber sido enterrado nuevamente como haces de huesos. Los cuerpos de varios bebés y niños pequeños se envolvieron con fuerza y ​​se colocaron en grandes vasijas de cerámica, llamadas urnas funerarias, que luego se colocaron en el suelo. Algunos de los entierros de Pee Dee estaban ricamente adornados con una variedad de artefactos exóticos hechos de cobre importado de la zona de los Grandes Lagos y conchas de la costa. Los artefactos de cobre incluyen carretes y sonajeros de madera cubiertos de cobre, colgantes, láminas de cobre y un hacha de cobre. Se hicieron cuentas, gargantas y alfileres a partir de caracolas.

La cultura Pee Dee de Town Creek representó una gran desviación de la Tradición de Piedmont Village hacia el norte y que anteriormente caracterizaba al sur de Piamonte. De hecho, era tan diferente que en 1952, la cultura Pee Dee fue descrita como "uno de los mejores registros arqueológicos del movimiento de un pueblo en el sureste". Las personas que construyeron Town Creek fueron vistas como invasores del sur que viajaron por el valle del río Pee Dee e introdujeron una forma de vida completamente nueva y extraña en el sur del Piamonte de Carolina del Norte. En ese momento, se pensó que esta nueva cultura llegó alrededor del año 1550 d.C. y había desaparecido en 1650, "como un rayo de luz que atraviesa un cielo oscuro".

Hoy en día, los arqueólogos saben que la cultura Pee Dee es considerablemente anterior a lo que se pensaba originalmente, y que los invasores no la introdujeron desde el sur moviéndose en masa al Piamonte de Carolina del Norte. Pee Dee se ve mejor como un centro regional del Misisipio de los Apalaches del Sur que interactuó y evolucionó con otros centros regionales dispersos desde la llanura costera de Georgia y Carolina del Sur hasta las montañas del oeste de Carolina del Norte.

Los arqueólogos ahora creen que el siglo XIV vio el declive de muchos centros del sur de los Apalaches del Misisipio como Irene y Town Creek. A medida que se abandonaron los montículos del templo, las prácticas funerarias cambiaron para reflejar una sociedad más igualitaria. El cambio de un gobierno por una élite a un gobierno por consenso público también se ve en el mayor uso de las grandes casas del consejo público, en lugar de los templos sacerdotales en lo alto de los montículos. En el valle del río Savannah, esta disminución del poder principal se considera, al menos en parte, como una consecuencia de las condiciones de sequía prolongada que provocaron una disminución significativa de la producción agrícola. La gran cantidad de entierros en Town Creek puede significar que los indios Pee Dee enfrentaron un destino similar.

El sitio de Town Creek, como un poderoso imán, ha llamado la atención de los arqueólogos durante más de 60 años. Con solo una leve hipérbole, se podría decir que el montículo a orillas del río Little ha sido el centro del universo arqueológico en el sur del Piamonte de Carolina del Norte. Sin embargo, desde la década de 1980, el foco de las excavaciones arqueológicas se ha desplazado de Town Creek a las aldeas periféricas de Pee Dee sin montículos.

Extraído de Time before History: The Archaeology of North Carolina, por H. Trawick Ward y R. P. Stephen Davis Jr., University of North Carolina Press, 1999.


La cultura y el imperio tarasco

Entre los fértiles volcanes de Michoacán, Lumholtz se cruzó con los purépechas, a quienes los españoles llamaban tarasco. Enemigos de los aztecas, los tarascos florecieron entre el 1100 d.C. y el 1530 d.C. Sus orígenes siguen siendo un rompecabezas, junto con sus botellas en forma de estribo, de cuello largo y templos redondos llamados Yacatas. El centro del Imperio Tarasco era el lago de Pátzcuaro y el sitio cercano de Tzintzuntzan, ahora un sitio arqueológico muy visitado (Mapa del área). Después de la Conquista, los misioneros españoles organizaron el Imperio Tarasco en una serie de aldeas experimentales orientadas a la artesanía utópica, y hoy el área del lago Pátzcuaro abunda en artesanos expertos en madera, cobre, tela y arcilla. (Ver artículo de j. Rose)

El pueblo tarasco se había establecido en Michoacán en el siglo XII d.C. Su origen exacto sigue siendo desconocido, pero se han observado similitudes lingüísticas con el idioma quechua de América del Sur. América del Sur también puede haber sido la fuente de los estilos de cerámica tarasca y las técnicas de trabajo del metal que no se conocían anteriormente en México.

La ciudad capital tarasca de Tzintzuntzan estaba dominada por una enorme plataforma que sostenía una fila de cinco pirámides de templos llamados yácatas. Desde este centro religioso y administrativo, los tarascos hicieron la guerra a sus vecinos.

Aunque la sociedad tarasca estaba estratificada socialmente con nobleza, plebeyos y esclavos, no hay evidencia arqueológica que indique que los sitios tarasco fueran mucho más que asentamientos rurales, con la excepción de su ciudad capital, Tzintzuntzan. Los tarascos eran excelentes artesanos en muchos materiales. Sus habilidades para trabajar metales eran las más avanzadas de México. También fueron hábiles en la alfarería y el trabajo lapidario. su cerámica doméstica utilitaria contrastaba marcadamente con los diseños exóticos de la cerámica funeraria.

Productos como la miel, el algodón, las plumas, el copal y los depósitos de sal, oro y cobre eran muy apreciados por los tarascos. Las regiones vecinas que poseían estos productos se convirtieron rápidamente en un objetivo principal de la expansión militar. Una vez conquistados, se esperaba que los pueblos de estas regiones pagaran tributos de bienes materiales al señor tarasco.

Como los aztecas, los tarascos tenían muchas deidades, cada una con sus propios atributos, requisitos, colores sagrados, animales asociados y días calendáricos. La deidad tarasca más antigua y venerada era Curicaueri, el dios del fuego. Un mito de origen tarasco cuenta la historia de cómo Curicaueri y sus hermanos dioses fundaron los asentamientos alrededor del lago de Pátzcuaro. Los tarascos precolombinos se creían descendientes de Curicaueri. Cuando los gobernantes y sacerdotes se vestían con sus mejores galas rituales y realizaban danzas ceremoniales, afirmaban la conexión con sus dioses ancestrales.

Los aztecas intentaron más de una vez conquistar las tierras tarascas, pero nunca lograron su objetivo. Esto dejó a los aztecas con un gran rival en su frontera occidental. En combate sufrieron en repetidas ocasiones graves pérdidas frente a los ejércitos tarasco. Por ejemplo, en 1478 el señor azteca gobernante, Axayacatl, marchó contra los tarascos. Encontró a su ejército de 24.000 personas enfrentadas por una fuerza opuesta de más de 40.000 guerreros tarasco. Una feroz batalla se prolongó durante todo el día. Muchos de los guerreros aztecas fueron gravemente heridos por flechas, piedras, lanzas y estocadas. Al día siguiente, los aztecas se vieron obligados a retirarse, habiendo sufrido la pérdida de más de la mitad de sus guerreros de élite.

La llegada del capitán español Hernán Cortés y sus hombres a la costa este de México en abril de 1519 condujo al fin de los imperios azteca y tarasco. Sabiendo que los españoles se dirigían a la capital azteca de Tenochtitlán, los aztecas enviaron algunos emisarios a los tarascos para pedir ayuda. En lugar de brindar ayuda, sacrificaron a los mensajeros aztecas. Tenochtitlán cayó en 1520 tras un sangriento asedio. El turno de los tarascos llegó en 1522. El último rey tarasco, Tangaxoan II, ofreció poca resistencia. Una vez que se sometió, todos los demás reinos tarasco se rindieron pacíficamente. Después de la conquista, la corona española nombró a Don Vasco de Quiroga para gobernar los pueblos tarasco. Decidió que cada comunidad debería destacarse por la producción de una forma de arte especializada. Esta visión de especialización artística y producción comercial persiste en la actualidad.

En los entierros tarasco se habrían colocado todo tipo de objetos personales. Las ofrendas de las tumbas comunes incluían vasijas de cerámica en miniatura, campanas, agujas, pinzas y hachas hechas de cobre, pipas para fumar de arcilla de estampación larga, tapones de labios de obsidiana, carretes para las orejas y cuchillos, cuentas de concha, vasijas de cerámica muy decoradas, algunas llenas de comida y bebida y ocasionalmente incluso de oro adornos.

Los comentarios hechos por los soldados y misioneros españoles del siglo XVI dan la impresión de que se consideraba que el rey tarasco era el segundo en el poder después del gobernante azteca Moctezuma. Algunos relatos tempranos incluso clasifican a los dos como iguales. Los misioneros que sirvieron entre los aztecas y los tarascos consideraban a los tarascos superiores a todos los demás pueblos de la Nueva España.

A diferencia de los aztecas, los tarascos no dejaron historias documentales personales, y no tenían ningún misionero-historiador-defensor listo para escribir su historia como podría haber sido dictada en el momento de la conquista. La mejor fuente de información histórica es la Relación de Michoacán compilado por un fraile franciscano español anónimo alrededor de 1538. (A modo de contraste, hay varios tratados hispánicos bien conocidos sobre los aztecas). Relación de Michoacán, junto con excavaciones arqueológicas y un importante cuerpo de objetos de cerámica, cobre y piedra, nos permite vislumbrar la vida de estos pueblos del oeste de México.

La Yácata

El Yácata, un edificio típicamente tarasco, parece haber sido utilizado tanto como depósito de cadáveres como como vivienda. La estructura consta de tres partes cuya planta tiene forma más o menos como una T mayúscula: una pirámide escalonada rectangular, una pirámide escalonada redonda que se coloca en el punto medio del rectángulo y un pasillo escalonado que une la estructura redonda a el rectángulo.

Carl Lumholtz describe tres yácatas que vio en el Sierra de los Tarascos: & # 8220 El montículo está construido de piedras, sin argamasa, en forma de & # 8216T, & # 8217 cada brazo de unos 50 pies de largo y treinta y dos pies de alto. El brazo occidental termina en una construcción circular, una especie de pomo. Todos los lados se elevan en pasos regulares desde el suelo, y la superficie nivelada en la parte superior de los brazos tiene solo seis pies de ancho, mientras que la base tiene veinte pies de ancho. Estos escalones circundantes hacen que el monumento sea singularmente simétrico y elegante. & # 8221


GUÍA DE CERÁMICA NATIVA AMERICANA

La forma de arte más famosa y reconocida de los indios Pueblo de Nuevo México, la cerámica Pueblo es conocida en todo el mundo por su notable belleza y artesanía. Se ha hecho de la misma manera durante más de mil años, con cada paso de la creación completado a mano. Los alfareros de pueblo no usan una rueda, pero construyen macetas usando el método tradicional de bobina horizontal o formando libremente la forma. Una vez formada la vasija, el artista pule la pieza con una piedra de pulido natural, como una piedra de río, y luego la pinta con un engobe vegetal, mineral o comercial. Finalmente, la olla se cuece en un horno o fuego al aire libre utilizando estiércol o leña como combustible. Los pueblos de Santa Clara, San Ildefonso, Jemez y Acoma tienen estilos de alfarería distintivos que son especialmente apreciados por los coleccionistas, pero hay alfareros consumados trabajando en todos los pueblos. Hoy en día, la cerámica Pueblo es una forma emocionante y dinámica, con muchos artistas que combinan técnicas tradicionales con diseños innovadores y estilizados. Aquellos alfareros que continúan creando vasijas usando métodos tradicionales poseen un extraordinario nivel de habilidad, y sus vasijas son obras de arte de gran valor que serán disfrutadas por las generaciones venideras.

Cerámica Acoma

Acoma Pueblo tiene una tradición de alfarería que se remonta a siglos atrás. Hoy en día, es más conocido por un estilo de cerámica policromada mate con diseños en naranja y negro sobre un fondo blanco o diseños de líneas finas negras sobre un fondo blanco. Este estilo tradicional es muy buscado por los coleccionistas de arte nativos y, además de su distintivo esquema de colores, se puede identificar por bordes estriados, paredes muy delgadas y diseños geométricos complejos. Los artistas de Acoma son conocidos por la delicadeza de su pintura de cerámica, a menudo incorporando patrones de eclosión que simbolizan la lluvia, así como diseños de loros de lluvia, un animal que en la leyenda de Acoma llevó a la gente al agua. Rayos, nubes, bandas de arcoíris y otros elementos del clima y la naturaleza también son diseños populares. Uno de los estilos de cerámica más icónicos y valiosos, las ollas Acoma representan una historia de belleza y artesanía. Explore más de Acoma Pueblo & gt

Diseño Avanyu

El avanyu es una serpiente de agua que la gente de Pueblo considera la guardiana del agua. Representado como una serpiente cornuda con un rayo emergiendo de su boca, se cree que el avanyu vive en el Río Grande y sus afluentes. El cuerpo de la criatura generalmente se ve como una corriente ondulante, y el relámpago que sale de su boca significa tormentas eléctricas que traen lluvia. Un diseño común en la cerámica de los pueblos de Santa Clara y San Ildefonso, el avanyu representa la importancia del agua para los pueblos. Ver ilustraciones con Avanyu Design & gt

Cerámica Cochití

Cochiti Pueblo ha estado fabricando sofisticadas cerámicas y figurillas de arcilla durante cientos de años. Puede que sea mejor conocido como el lugar de nacimiento de la figura del Narrador, una de las formas de arte pueblo más recopiladas y reconocidas. Los narradores fueron desarrollados por la alfarera de Cochiti Pueblo Helen Cordero en 1963 y tradicionalmente representan a un anciano contando historias a los niños, todos con la boca abierta. Cordero se inspiró en la figura tradicional de la “Madre Cantante” a menudo representada en arcilla, y en su abuelo, un legendario narrador de Cochití. En la cultura Pueblo, las historias se transmiten oralmente de generación en generación, y la figura del Narrador representa la importancia de la tradición narrativa. Hoy en día, los alfareros de Cochití hacen Narradores tradicionales, así como figurillas más contemporáneas que representan temas no tradicionales, como animales, y que a menudo tienen un estilo caprichoso o humorístico. El estilo de cerámica tradicional de Cochiti es una policromía negra, roja y beige con la base y el interior de la vasija pintados de rojo. Los diseños tradicionales incluyen pájaros, animales, lluvia, nubes, flores, relámpagos y otros motivos extraídos de la naturaleza. Hoy en día, la alfarería sigue siendo una forma de arte extremadamente fuerte y vibrante en Cochiti Pueblo, con muchos artistas que producen obras de una calidad increíblemente alta en estilos tradicionales y contemporáneos. Explore más de Cochiti Pueblo & gt

Cerámica Hopi

La cerámica Hopi es conocida en todo el mundo por su delicadeza y sus diseños fluidos y elegantemente pintados. Las vasijas de color dorado hechas de arcillas encontradas en First Mesa son quizás las más conocidas, aunque los alfareros Hopi también crean hermosas vasijas rojas y blancas. La era moderna de la cerámica Hopi comienza con Nampeyo, un alfarero que se inspiró en vasijas antiguas descubiertas en el sitio ancestral de Sikyatki a fines del siglo XIX. Su trabajo dio lugar a un renacimiento de la vajilla amarilla Sikyatki, que presenta diseños marrones o rojos pintados sobre un fondo de color beige. Este color proviene de una arcilla gris que se vuelve oro amarillo claro cuando se dispara. La vajilla hopi presenta diseños negros sobre un rico fondo marrón rojizo, un color que proviene de una arcilla amarilla que se vuelve roja cuando se dispara. Los alfareros hopi usan un pincel de hojas de yuca para pintar diseños tradicionales y contemporáneos en la superficie de sus macetas, luego disparan en pozos abiertos usando estiércol de oveja o cedro como combustible. Hoy en día, los artistas Hopi producen algunas de las vasijas artesanales más exquisitas disponibles, y sus vasijas se encuentran entre las formas de arte más coleccionadas en el arte nativo del suroeste. Explore más de Hopi & gt

Cerámica Isleta

Hoy en día hay muy pocos artistas que crean alfarería tradicional en Isleta Pueblo, y la alfarería de Isleta es una de las más difíciles de encontrar de todos los tipos de alfarería Pueblo. Se sabe muy poco sobre la historia de la producción de cerámica en Isleta Pueblo. Históricamente, los artesanos de la Isleta hacían objetos rojos pesados ​​similares a Ohkay Owingeh, pero finalmente pasaron a la policromía, un estilo introducido por los alfareros de Laguna Pueblo que llegaron a Isleta a fines del siglo XIX. La alfarería tradicional casi se extinguió en el siglo XX, pero Stella Teller y su familia la revitalizaron en la década de 1980, conocidos por sus exquisitas figuras y narradores hechos a mano. Caroline Carpio es otra alfarera prominente que ha sido aclamada por su elegante cerámica de bellas artes contemporáneas. Con tan pocos artistas de la Isleta que crean cerámica con arcilla natural y métodos tradicionales, cualquier pieza es una obra de arte rara y valiosa. Explore más de Isleta Pueblo & gt

Cerámica Jemez

Los alfareros de Jemez Pueblo son conocidos por su arte e innovación, y muchos artistas producen vasijas artesanales de primera calidad en estilos tradicionales y contemporáneos. Antes de la llegada de los españoles, Jemez era conocido por su cerámica tradicional en blanco y negro, pero la producción de este tipo de cerámica se extinguió a principios del siglo XVIII. La mayor parte de la cerámica que se usó en Jemez Pueblo después de eso provino del cercano Zia Pueblo. Hubo un renacimiento de la alfarería de Jemez a principios del siglo XX inspirado e influenciado por los diseños de cerámica de Zia, pero no fue hasta las décadas de 1960 y 1970 que un número significativo de alfareros de Jemez comenzaron a producir trabajos de alta calidad utilizando métodos antiguos. Estos alfareros desarrollaron un estilo distintivo de negro sobre rojo y negro o rojo sobre fuego, al tiempo que mejoraron drásticamente su dominio técnico de la forma. Desde la década de 1980, la popularidad de la cerámica Jemez artesanal se ha disparado. Hoy en día, muchos artistas crean vasijas con el característico estilo rojo Jemez, pero hay alfareros que trabajan en una variedad de colores y formas. Los alfareros Jemez hacen Narradores de historias, jarrones de boda, macetas de semillas, vasijas grabadas con esgrafiados y más, y son ampliamente reconocidos por su artesanía, creatividad y experimentación en el diseño y la técnica. Explora más de Jemez Pueblo & gt

Cerámica Laguna

Hoy en día hay muy poca alfarería producida en Laguna Pueblo con solo un puñado de artistas que crean alfarería utilizando los métodos tradicionales transmitidos de generación en generación. La alfarería tradicional de Laguna es muy similar en color, diseño y estilo a la del vecino pueblo de Acoma. A veces, los diseños pintados en las vasijas de Laguna son más simples y atrevidos, pero puede ser muy difícil distinguir entre los estilos de los dos Pueblos. En la década de 1970, los artistas de Laguna restablecieron el oficio tradicional de la alfarería con la ayuda de un programa financiado con fondos federales. Estos artistas comenzaron a producir cerámica policromada con diseños geométricos en rojo, amarillo y naranja. Hoy en día, un grupo muy pequeño de artistas, incluido Myron Sarracino, continúa creando un excelente trabajo tradicional, pero la cerámica de Laguna Pueblo sigue siendo rara y valiosa. Explora Laguna Pueblo y gt

Cerámica Nambé

Nambé Pueblo fue históricamente conocido por hacer cerámica elegante y utensilios de cocina valiosos, pero hoy en día es extremadamente difícil encontrar cerámica artesanal de Nambé. Durante cientos de años, la gente de Nambe fabricó ollas para cocinar con arcilla micácea y loza negra simple con fines utilitarios, pero la alfarería tradicional declinó en el siglo XX. Cuando el mercado de las artes nativas floreció en la década de 1970, un puñado de artistas comenzaron a producir nuevamente arcilla micácea y cerámica policromada, así como también loza negra pulida influenciada por los estilos de Santo Clara. Sin embargo, la producción de cerámica en Nambé Pueblo sigue siendo extremadamente limitada, y cualquier recipiente de Nambé se crea a través. Explore más de Nambe Pueblo & gt

Cerámica Navajo

Los navajos son más conocidos por sus tradiciones artísticas de tejido, cestería y joyería, pero también han estado haciendo cerámica fina durante cientos de años con fines ceremoniales y utilitarios. La cerámica navajo temprana de los siglos XVII y XVIII se parecía a las formas de cerámica de los pueblos, aunque las vasijas navajo a menudo tenían paredes más gruesas y una banda decorativa incisa alrededor del cuello. Los alfareros navajos desarrollaron su propio estilo distintivo aplicando un barniz de brea de piñón caliente a la superficie de sus ollas después de la cocción, dando a las vasijas su característico color marrón rojizo y su hermoso brillo. Las ollas tradicionales navajo se alisan y se raspan con mazorcas de maíz y se cuecen a cielo abierto utilizando madera de enebro como combustible. Por lo general, no presentan diseños pintados, una práctica desalentada por los ancianos para mantener la privacidad cultural y religiosa. La producción de cerámica navajo disminuyó drásticamente en el siglo XIX con la llegada de los ferrocarriles al suroeste. Los turistas también prefirieron la alfarería Pueblo a la Navajo, y los artesanos Navajo tuvieron más éxito tejiendo alfombras y haciendo joyas. Un puñado de alfareros en la región de Shonto y Cow Springs de Arizona continuaron haciendo alfarería tradicional, y en la década de 1950 la forma experimentó un renacimiento liderado por la alfarera navajo Rose Williams y su hija Alice Cling. Su trabajo realmente elevó la forma, atrayendo la atención de los coleccionistas de todo el mundo sobre la cerámica navajo. Aunque gran parte de la cerámica navajo todavía no incluye diseños pintados, muchos artistas ahora usan apliques, patrones incisos o engastes de colores para agregar complejidad y elementos decorativos a su trabajo. Hoy en día, las hermosas vasijas y vasijas pulidas creadas por alfareros navajos son admiradas como obras de arte y añaden mucho a las vibrantes tradiciones de alfarería de los nativos americanos del suroeste. Explorar más navajo y gt

Ohkay Owingeh

El estilo tradicional de la cerámica Ohkay Owingeh es una cerámica roja y negra pulida similar a la de Santa Clara. A finales del siglo XIX, la alfarería tradicional en Ohkay Owingeh Pueblo casi se había extinguido. En la década de 1930, un grupo de alfareros dirigido por Regina Cata revivió un estilo histórico de cerámica del siglo XV basado en artefactos descubiertos en un sitio ancestral cercano llamado Potsuwi’i. Este estilo renacentista se llamó Potsuwi’i Incised Ware, y las vasijas de este estilo tienen una base y un borde de engobe rojo muy pulido y una parte central de arcilla tostada sin pulir que está tallada con diseños geométricos, típicamente un patrón de finas líneas paralelas. Este estilo es exclusivo de Ohkay Owingeh y hoy se considera la forma de cerámica tradicional de Pueblo. Hoy en día, muchos alfareros han desarrollado variaciones del estilo Potsuwi'Ii, utilizando nuevas paletas de colores o tallando diseños de esgrafiados, como el avanyu, plumas y patrones festoneados. . También se ha revivido la cerámica de arcilla micácea similar a la de Taos y Picuris Pueblos. Explora más de Ohkay Owingeh Pueblo & gt

Cerámica Picuris

Taos y Picuris Pueblos producen un tipo de alfarería tradicional que es muy distinta de otros estilos de alfarería Pueblo. La arcilla de Taos y Picuris tiene un contenido de mica muy alto, lo que le da a toda su cerámica un brillo muy hermoso, casi metálico. Ocasionalmente, los alfareros aplican un engobe de arcilla micácea adicional antes de la cocción, o agregan perillas o un diseño muy simple perforado en la arcilla, pero generalmente las ollas Taos y Picuris son únicas por no estar pintadas, sin pulir y con una decoración mínima. Estas vasijas de arcilla micácea varían en color desde un hermoso melocotón anaranjado hasta casi negro. Lo que también distingue a las ollas Taos y Picuris es que son funcionales y se pueden usar para cocinar. La olla de frijoles es una de sus formas más conocidas y es una excelente pieza para hornear y cocinar en la estufa. Se ha producido muy poca cerámica tradicional en Taos y Picuris Pueblos desde 1950, pero hay algunos artistas trabajando para revivir la tradición que crean ejemplos espectaculares de cerámica tradicional de arcilla micácea. Explore más de Picuris Pueblo & gt

Cerámica Pojoaque

Hoy en día es extremadamente difícil encontrar cerámica artesanal de Pojoaque Pueblo ya que solo hay tres o cuatro alfareros activos. Los artículos de arcilla micácea eran el estilo tradicional creado en los siglos XVII y XVIII, pero hoy nadie está creando obras en este estilo. La cerámica creada por Pojoaque se deriva de otros pueblos, particularmente de los estilos policromos e incisos de Santa Clara. Cordie Gomez, que crea cerámica de arcilla micácea que evoca el estilo de Taos Pueblo, es lo que más se acerca a ser un verdadero alfarero Pojoaque. Con tan pocos artistas de Pojoaque que crean cerámica con arcilla natural y métodos tradicionales, cualquier pieza es una obra de arte rara y valiosa. Explore más de Pojoaque Pottery & gt

Diseño Rain Parrot

El loro de lluvia es un motivo de diseño popular en la cerámica de Pueblo, particularmente en la de Acoma Pueblo, que representa la reverencia de la gente de Pueblo por la lluvia y el agua. Los comerciantes españoles presentaron a los loros a los habitantes del suroeste y los cautivaron con sus hermosos colores. Según la leyenda de Acoma, los pájaros llevaron a la gente al agua, y la gente de Pueblo los ve como criaturas especiales que pueden mediar con el mundo de los espíritus. Los loros de lluvia generalmente se representan como un pico triangular con plumas de cola en forma de remolino, aunque también son comunes las versiones estilizadas y contemporáneas. Vea ilustraciones con Rain Parrot Design & gt

Cerámica San Ildefonso

San Ildefonso Pueblo es mejor conocido por su estilo de cerámica negro sobre negro que se hizo famoso por la legendaria alfarera María Martínez. Junto con su esposo Julian, Maria fue pionera en este estilo que combina superficies negras mate y pulidas alrededor de 1920, basándose en los artefactos de cerámica que se excavaron en ese momento en los antiguos sitios de Pueblo. Compartieron sus técnicas con el resto de San Ildefonso, lo que dinamizó la vida económica y cultural de este pequeño Pueblo. Hoy en día, las vasijas negras sobre negro de San Ildefonso son extremadamente valiosas y una de las formas más reconocidas de alfarería Pueblo en el mundo. En el siglo XX, los alfareros de San Ildefonso se dieron a conocer por su originalidad, innovando nuevos diseños y formas. Junto con Santa Clara, fueron de los primeros alfareros en tallar diseños en la arcilla en lugar de pintar sobre la superficie, un gran cambio de estilo que tuvo un tremendo impacto en el mundo de la cerámica Pueblo. Además de la vajilla, los artistas contemporáneos de San Ildefonso también crean hermosas vajillas en rojo y cerámica de estilo policromo. Aunque San Ildefonso es un Pueblo pequeño, sus alfareros han tenido un impacto enorme en el desarrollo de la alfarería Pueblo moderna, y su trabajo sigue siendo muy valorado y coleccionado en la actualidad. Explora más de San Ildefonso Pueblo & gt

Cerámica de Santa Ana

La alfarería de Santa Ana se encuentra entre las más difíciles de encontrar de todos los tipos de alfarería Pueblo, y solo hay un puñado de alfareros activos trabajando hoy. Históricamente, Santa Ana no tuvo una fuerte tradición de alfarería como la cercana Zia Pueblo, y la gente de Santa Ana Pueblo a menudo intercambiaba cultivos y otros bienes por productos de Zia. Los artesanos que crearon cerámica en Santa Ana a menudo emulaban el estilo de Zia. Pottery production had mostly died out by the 1920s and was not revived until the 1970s under the leadership of Eudora Montoya, the only remaining traditional potter at that time. Hired by the Bureau of Indian Affairs, Montoya taught classes in traditional pottery-making, an effort continued by her student, Elveria Montoya. Santa Ana potters are known for creating sturdy vessels with red clay collected from the banks of the Jemez River. Traditionally, the base and interior are painted red, and the body is painted with a buff slip. Red or black designs are painted onto the body, usually bold geometric shapes. With so few Santa Ana artists creating pottery using natural clay and traditional methods, any piece is a rare and valuable work of art. Explore More From Santa Ana Pottery >

Santa Clara Pottery

Santa Clara Pueblo, a Tewa-speaking Pueblo located along the Rio Grande River in northern New Mexico, has one of the most dynamic and innovative pottery-making communities in the world. Today, the Pueblo’s best known pottery style is polished blackware with precisely carved sgraffito designs. Blackware can be traced back to the 12th century and was revived in the early 20th century by potters from San Ildefonso Pueblo. Though their style is similar to San Ildefonso’s, Santa Clara potters set themselves apart by carving designs into the clay rather than painting them on the surface. This type of low relief carving, called sgraffito, was a major shift in style that had a lasting effect on modern Pueblo pottery. Blackware remains popular, but there are many Santa Clara artists who have developed their own signature styles. Known for their creativity, these potters experiment with non-traditional, asymmetrical vessel shapes and contemporary design motifs. No matter their style, Pueblo potters from Santa Clara have an unbelievable mastery of their craft, making their handmade pots among the most valuable in the world. Explore More From Santa Clara Pueblo >

Santo Domingo Pottery

Santo Domingo is most known for its beautiful heishi necklaces handcrafted from shell and gemstones but the Pueblo also has a long and distinguished tradition of beautiful handmade pottery. The pottery of Santo Domingo can appear more simple in form and design than the work of other Pueblos, with artists often specializing in larger forms like water jars, ollas and dough bowls. The traditional Santo Domingo style features brown, black or red designs on a buff background, often with a red base, though red-on-black and blackware pots are also made today. Santo Domingo vessels are most easily distinguished from pottery of other Pueblos by their large, blocky and often symmetrical designs. The Pueblo is one of the most conservative, and painting realistic animals, human figures or other sacred symbols on pottery is discouraged. Common designs include flowers, geometric motifs such as circles and scalloped patterns, and stylized birds and animals. Today there are a number of skilled Santo Domingo potters creating elegant traditional pots, carrying on the legacy of an ancient and beautiful craft. Explore More From Santo Domingo Pueblo >

Storytellers & Figurines

Native American and Pueblo people of the Southwest have been making clay pottery figures since ancient times. Their creation was discouraged by Christian missionaries and the form was not widely practiced in the 16th-19th centuries. Figurative pottery was revived in the 20th century and clay figurines have since become one of the most popular and widely collected Native American art forms. Storytellers are a type of clay figure that is unique to the Southwest. They were developed by Helen Cordero of Cochiti Pueblo in 1963 and traditionally depict a male elder telling stories to children, all with open mouths. Cordero was inspired by the traditional “Singing Mother” figure often represented in clay, and by her grandfather, a legendary Cochiti storyteller. In Pueblo culture, stories are passed down orally from generation to generation, and the Storyteller figure represents the importance of the storytelling tradition. Today, Native artists across the Southwest create Storytellers, sometimes depicting the elder and children as clowns, drummers, acrobats, cowboys or animals, and handcrafted figurative pottery continues to be one of the most exciting, colorful and successful pottery forms. Shop Storytellers Now > Shop Figurines Now >

Zia Pottery

Zia Pueblo has a centuries-old tradition of making fine pottery. Historically, pottery was a thriving industry for this water-poor Pueblo and they were able to sustain themselves by trading their fine ceramics with Jemez, Santa Ana and San Felipe Pueblos. Zia artisans traditionally made large jars and bowls for storage that were prized by neighboring Pueblos. Zia is the only Pueblo to use red clay tempered with crushed black basalt. The traditional Zia style features a slipped white or buff background with a red base and designs painted onto the central area in black, brown or red. The Pueblo’s signature design is the Zia bird, depicted with a single large eye and forked tail feathers. Zia potters also paint deer, flowers, arches, rainbow bands and other natural imagery onto their vessels. Today, pottery remains a vital art in Zia Pueblo with many artists still creating beautiful handcrafted pots with natural clay, carrying on a celebrated legacy of pottery-making. Explore More From Zia Pueblo >

Zuni Pottery

Making pottery is a centuries-old art in Zuni. In the 19th century Zuni pottery-making thrived, and works from this classic period can be identified by their designs: the “deer-in-house” or heart line deer, which is a deer with a spirit line running through it, as well as rosettes and rain birds. Pots from this period often featured brown slip on the base, rim and interior. After the 1920s, traditional pottery-making declined as Zuni artists focused more on jewelry, which was far more popularity with tourists. Jewelry became a staple of the Zuni economy as the distinctive Zuni style of petit point cluster jewelry and channel inlay grew in popularity. Traditional pottery-making was revived in the 1970s by Hopi potter Daisy Hooee Nampeyo, granddaughter of famed potter Nampeyo, and Acoma pottery Jennie Laate. Today, more and more Zuni artists are making exceptional pottery from handmade natural clay, some with the traditional deer, rain bird and rosette designs. Many create pottery in more contemporary styles, incorporating stylized lizards, frogs, dragonflies, feathers and hatched lines that represent rain. Black-on-red and black or brown on a white background are popular colors, though contemporary Zuni potters are creating fine art pottery in a range of beautiful colors. Explore More From Zuni Pueblo >


Pottery of the Trans-Pecos

The native ceramics from the western Trans-Pecos are collectively referred to as El Paso Brownware, and are one of several distinctive ceramic traditions of the American Southwest and northern Mexico. El Paso Brownware was produced by peoples who belonged to the Jornada Mogollon culture &mdashthe easternmost branch of the Mogollon culture (one of the "big three" cultures of the Southwest). The Jornada Mogollon region encompasses the western Trans-Pecos, south-central New Mexico, and northeastern Chihuahua.

The first Jornada Mogollon ceramics, known as El Paso Brown, were produced sometime between A.D. 200 and 400. They are stylistically and technologically simple and changed very little until about A.D. 800, when ceramics began to play an expanded role in food preparation technology, particularly in large-scale food processing. At this time, Jornada Mogollon peoples began to produce El Paso Bichrome, which was quickly followed by Early El Paso Polychrome. Though they retain the same vessel forms as El Paso Brown, these types of ceramics are decorated with simple geometric designs. It is not known whether these three types were briefly produced at the same time, or if they replaced one another in rapid succession.

Around A.D. 1200 or 1250, Jornada Mogollon peoples began to produce Classic El Paso Polychrome. This type differs from the previous types of El Paso Brownware in its more elaborate designs and new vessel forms. Unlike most ceramic types, Classic El Paso Polychrome was never produced in conjunction with a plain, utilitarian type. Instead, the lower portion of its vessels (the part that comes into contact with heating fires) is undecorated, in essence allowing it to serve both as a decorated and utilitarian ware.

In addition to producing their own ceramics, Jornada Mogollon peoples acquired ceramics from their neighbors. The most common intrusive ceramic types found in the region are Mimbres Black-on-white from southern New Mexico, Chupadero Black-on-white from east-central New Mexico, and various ceramic types from the Casas Grandes region of northern Chihuahua, Mexico. Though Jornada Mogollon peoples primarily acquired ceramics from nearby areas of New Mexico and Chihuahua, ceramics from as far away as northern New Mexico and parts of Arizona have also been found in the region.

The El Paso Brownware ceramic tradition came to an end when the pueblos of the Jornada Mogollon region were abandoned around A.D. 1450. For the next 230 years, little is known about any ceramics that may have been produced in the Trans-Pecos. The exception to this is the La Junta district, where ceramics began to be produced for the first time around A.D. 1450. Seven types of La Junta ceramics have been named, but none have been formally defined and studied in detail. Some are undecorated utilitarian wares, some are unpainted textured wares, and some are decorated red-on-brown wares. The La Junta ceramic tradition came to an end in the mid to late 18th century.

At the beginning of the Spanish Colonial/Post-Pueblo Revolt period in A.D. 1680, the Historic El Paso Brownware ceramic tradition was established by the Indians living in the missions of El Paso. This tradition consisted initially of undecorated utilitarian brownwares, such as Ysleta Brown, Socorro Brown, and Socorro Smudged, but these types were soon followed by decorated red-on-brown wares, such as Socorro Red-on-brown, which features designs that blend Native and European styles. The Mission Indians also participated in regional exchange networks, particularly along the Camino Real, and acquired indigenous ceramics from the pueblos of northern and central New Mexico as well as factory-made ceramics from Mexico.

Contributed by Carly Whelan.

Brown, David O., John A. Peterson and David V. Hill
1999 Discourse in Clay: Ceramics and Culture in Historic Socorro, Texas. Bulletin of the Texas Archeological Society 70:421-438.

Brown, Roy B., Patricia Fournier, David V. Hill, John A. Peterson and Mark Willis
2004 Settlement and Ceramics in Northern New Spain: A Case Study of Brown Ware Pottery and Historical Change. In: Surveying the Archaeology of Northwest Mexico, edited by Gillian E. Newell and Emiliano Gallaga, pp. 265-288. The University of Utah Press, Salt Lake City.

Cloud, William A.
2004 The Arroyo de la Presa Site: A Stratified Late Prehistoric Campsite along the Rio Grande, Presidio County, Trans-Pecos, Texas. Report prepared by the Center for Big Bend Studies, Sul Ross State University, Alpine, Texas, for the Texas Department of Transportation, Austin.

Larkin, Karin B., Jane H. Kelley and Mitchel J. Hendrickson
2004 Ceramics as Temporal and Spatial Indicators in Chihuahua Cultures. In: Surveying the Archaeology of Northwest Mexico, edited by Gillian E. Newell and Emiliano Gallaga, pp. 177-204. The University of Utah Press, Salt Lake City.

Miller, Myles R.
1996 The Chronometric and Relative Chronology Project. Archaeological Technical Report No. 5. Anthropology Research Center and Department of Sociology and Anthropology, University of Texas at El Paso, El Paso.

Perttula, Timothy K., Myles R. Miller, Robert A. Ricklis, Daniel J. Prikryl, and C. Lintz
1995 Prehistoric and Historic Aboriginal Ceramics in Texas. Bulletin of the Texas Archeological Society 66:175-235.

Whalen, Michael E.
1994 Turquoise Ridge and Late Prehistoric Residential Mobility in the Desert Mogollon Region. Anthropological Papers No. 118. The University of Utah Press, Salt Lake City.

El Paso Brown ceramics on display at the El Paso Museum of Archaeology. El Paso Brown was the first native ceramic style to appear in the Trans-Pecos. These ceramics were technologically and stylistically simple and varied little throughout their period of manufacture between A.D. 200/400 and 1050/1100. Photo by Susan Dial.

Classic El Paso Polychrome is the most elaborate and complex Jornada Mogollon ceramic style. Vessels from this style were decorated in red and black pigment with alternating parallel or interlocking bands and geometric designs. Classic El Paso Polychrome was produced only briefly, from A.D. 1200/1250 until the pueblos of the Jornada Mogollon region were abandoned around A.D. 1450. This jar belongs to the collection of the El Paso Museum of Archaeology. Photo by Susan Dial.

&ldquoMcCutcheon pot&rdquo found in a rockshelter 10 miles north of Fort Davis in the early 1930s. This unusual vessel combines traits of several different La Junta ceramic types, including an unobliterated rim coil like Chinati Filleted Rim, heavily wiped or brushed surfaces like Chinati Scored, and a stuccoed lower body like Capote Plain. The La Junta ceramic tradition began as the El Paso Brownware tradition came to an end around A.D. 1450, and continued until the mid to late 18th century. TARL Archives.

Chupadero Black-on-white ceramics were made in east-central New Mexico from A.D. 1150 until 1650. They are some of the most widely distributed ceramics throughout Trans-Pecos Texas and New Mexico. This jar belongs to the collection of the El Paso Museum of Archaeology. Photo by Susan Dial.

Mimbres Black-on-white ceramics were produced in the Mimbres region of southern New Mexico from A.D. 900 until 1150. They are characterized by their fine design execution and highly stylized naturalistic representations of animals and humans. Along with Chupadero Black-on-white, they are some of the most widely distributed ceramics throughout Trans-Pecos Texas and New Mexico. This jar belongs to the collection of the El Paso Museum of Archaeology. Photo by Susan Dial.

Ramos Polychrome effigy vessels on display at the El Paso Museum of Archaeology. Ramos Polychrome ceramics were produced in the Casas Grandes region of Chihuahua, Mexico from A.D. 1250 until the region was abandoned around 1450. They are characterized by fine-line red and black designs and are considered the pinnacle of the Casas Grandes polychrome ceramic tradition. Photo by Susan Dial.

Socorro Red-on-brown jar recovered from the Old Socorro Mission. This vessel was made by the mission&rsquos Piro or mestizo inhabitants sometime between 1684 and 1740 and represents a blending of Native and European styles. Its depiction of a human head on the body of a lion is what art historians refer to as a &ldquoGrotesque,&rdquo and may be an expression of the Catholic faith. TARL Archives.

Excavation and Salvage

Discussed in more detail below, much archaeological work on shipwrecks in Southeast Asia tends to be carried out as a partnership activity between archaeologists and commercial salvage companies. In the case of Hoi An, the Malaysian-Chinese businessman Ong Soo Hin, who owned Saga Horizon (a Singapore-based salvage company with experience of both commercial salvage and archaeological excavation in the region) made a proposal to the government for excavation of the Hoi An wreck. He proposed to work with the Vietnamese Salvage Agency (VISAL)—a government-owned salvage company—and to carry out a full archaeological excavation of the vessel ‘in return for the right to sell a proportion of the pottery recovered’, while also providing the government with a full archaeological report (Pope 2007: 65).

Ong received a license to search for the wreck in 1997 (Pope 2007: 67), and recruited Oxford University-based marine archaeologist Mensun Bound to lead the excavation. Bound apparently had misgivings about the connection with a commercial salvage company, but was eventually swayed by Ong’s insistence that there would be likely so many ceramics recovered that there would be nowhere to store them all if they were not sold (Pope 2007: 81), and by assurances that no export permit from the Vietnamese Ministry of Culture would be granted for the recovered material until the excavation report had been submitted to the government (Pope 2007: 82).


Pottery Vessel from Ninevite V Culture - History

Introduction Other Types of Ancient Thai Ceramics

The Thai term "Khreung thuai" means both "Pottery" and "Ceramics" . The term ceramics is more inclusive than pottery. It includes glazed tiles, brick, glass and glazed metal items such as spoons. Generally, however, it has been understood to represent only unglazed pottery which has been fired with a high enough temperature to become porcelain. Practically speaking, the term pottery includes glazed, unglazed, high and low fired wares. Moreover, pottery can be divided by production sites, examples of which include Ban Chiang pottery, Ban Prasat pottery, Buriram pottery, Sukhothai pottery, Lanna pottery, etc.

The History of Thai Ceramics

Since prehistoric times, ceramic ware has been an inseparable part of daily human life. Man has created and produced many types of ceramic wares for various uses. While the creation of ceramics has occurred widely, the development of ceramic production has varied from region to region.

In several archeological sites in Thailand, a large number and variety of ceramic remains have been discovered. They are classified into two main groups according to their sources of manufacture: ceramics which were produced in Thailand and those produced in foreign countries. The ceramics discovered so far which were made in Thailand have been well made due to the skill of artisans and the adequate raw materials in the area. They were decorated using a wide range of techniques and designs. Ceramics often played a key role as a medium of exchange among nearby communities. Furthermore, it is a fact that people in some communities produced and developed ceramics in their own styles, independently and without influence from other communities, and that these ceramic beginnings grew gradually to become powerful industries. Eventually local artisans were able to distribute their products to other communities.

Ceramic Wares in Thailand

The ceramic wares in Thailand have been categorized into two main divisions as follows:

Ban Chiang, a village in the Nong Han District in Udon Thani Province, in the northeastern part of Thailand, is well known as one of the most important and valuable archaeological sites of prehistoric cultures. The period extended from about 3,600 B.C to around A.D. 200.

The Ban Chiang cultural sequence has been categorized into three major periods according to thermoluminescence testing at the University of Pennsylvania :

Early Period (ca. 3,600-1,000 B.C.)

The pottery of this period is characterized by black vessels and decorated with a cord-mark design.

Middle Period (ca. 1,000-300 B.C.)

The pottery of this period is characterized by a carinated pot with greyish-white clay, a plain surface and low carination. Some were incised and painted under their rims.

Late Period (ca.300 B.C.-A.D.200)

The pottery of this period is very famous throughout the world and is characterized by a dark clay covered with a buff slip and painted with red geometric designs.

Ban Prasat is located in Nakhon Ratchasima Province. This type of pottery has been dated from 1,000 B.C.- A.D.500.

The most popular pottery are plates and kendis with everted rims, narrowed necks, extremely flared mouths, rounded bodies and projected carination. The lower part of the body was decorated with cord-mark designs, but some were left undecorated. Exterior and interior surfaces were slipped in red.

Around the 7th and 8th centuries, Khmer art began to spread to northeastern Thailand. Later on, around the 11th-13th centuries, from the reign of King Suriyavarman I to the reign of King Jayavarman VII, Khmer political power spread to central Thailand and the art of that area became influenced by Khmer art.

The ceramics were mostly made in the shape of large storage jars, covered urns, bowls, covered boxes, lime pots, jarlets, and architectural fixtures such as roof tiles, antefix tiles, etc. Some were made in the shape of human or zoomorphic figurines, like elephants, owls, pangolins and chessmen.

Sukhothai Ware (Sangkhalok)

Sangkhalok was the name given to ceramic ware produced by a number of kilns in Sukhothai Province during the Sukhothai and Ayutthaya Periods (from early 14th to late 16th centuries) The kiln sites of the Sukhothai ware which had already been explored were in two places:

The group of kilns was located outside of the northern wall of the ancient city of Sukhothai. The kilns were constructed along an ancient moat known as Mae Chon. They produced monochrome white-glazed and underglazed black ware. The special feature of the ceramic ware produced by these kiln groups were that they were heavily potted.

2. The Si Satchanalai Kilns

The largest industrial site for the production of Sukhothai ware in ancient times was located at what is now called Si Satchanalai. Several kilns had been found on both banks of the Yom River. They produced high quality products such as celadon, underglazed black, monochrome white-glazed, monochrome brown-glazed, as well as two-colored glazed and underglazed ware .

Lanna, a local word in Northern Thailand, refers to the territory covering the upper Ping and Kok River basins which during the 14th-16th centuries included the area of the provinces of Chiang Rai, Chiang Mai, Phrae, Nan, Phayao, Lamphun and Lampang, and some parts of Myanmar, China and Laos.

The Sankamphaeng kilns were located in the Sankamphaeng District of Chiang Mai Province. The general visual characteristics of Sankamphaeng ware was a coarse clay, low footrim, a white slip painted on the mouth rim and on the interior before glazing or decorating. The most popular decorative design, which became typical of Sankamphaeng ware, was that of twin fish, similar to the Chinese Yin and Yang symbol, swimming on the bottom.

Plato
Sankampaeng, 14-16 century

Plato
Sankampaeng, 14-16 century

The manufacturing site of Wiang Kalong ware was in Wiang Pa Pao District of Chiang Rai Province near the River Mae Lao. The outstanding characteristic of this ware was their light weight due to the fact that the clay body was very fine with a high kaolin content and thus could be thinly potted. The pottery consisted of dishes, bowls, vases, covered jars and lamps as well as chessmen and zoomorphic figurines. The ware produced were of four types: underglazed black-painted, monochrome transparent white-glazed, emerald green-glazed and brown-glazed. The so-called symbolic sign of decoration on Wiang Kalong ware was the flower-petal design which was usually called in Thai, lai ka.

Squat two-handled Jarlet
Kalong , 14-16 century

Phan ware was produced at kilns in Pong Daeng and Mai Nong Phak Jik Village in Sai Khao Subdistrict of Phan District in Chiang Rai Province. The physical shape of the ceramic ware was not distinct from that of the ceramic ware from the Wiang Kalong kilns, but the glazing was done with a celadon glaze like that on celadon ware. No Phan ware having underglaze black designs was produced.


Pottery Vessel from Ninevite V Culture - History

Much of Neolithic pottery is decorated with geometric designs. Although these designs appear purely abstract, some of them may be derived from forms in nature.

Can you imagine what kinds of organic forms might have inspired the decoration on this vessel? How does the decoration and color scheme complement the shape of the pottery?

SOME THOUGHTS: Some have speculated that the triangles might have evolved from the shape of fish fins and fish tails. The circular forms may be inspired by eyes.

How do you think this pottery was made?

ANSWER: This piece was probably made on a wheel, in contrast to earlier handmade pottery. Invention of the pottery wheel, first used shortly after 3000 B.C. by the Dawenkou and Longshan cultures, meant that potters could make thin-walled, evenly formed vessels with greater speed.

What animal is the piece below meant to represent? What was the significance of this animal?


Looking for Answers: Unknown North American Artifact Unearthed in Pennsylvania

An artifact recovered from a hilltop site overlooking the Delaware River in Eastern Pennsylvania, along with other artifacts recovered during a ten-year investigation reveals there is much to be learned about the history of the region.

The white Kaolin clay vessel serendipitously appeared one day in 2013 outside the entrance of a ground hog hole according to the property owner and researcher. With a professional background in art restoration, pottery and pigments, the type of clay and unique design features caught her attention as something atypical for the region.

As she explained, “Kaolin clay is quartz based and void of impurities, while Native American earthenware pottery used natural muds and pigments from their geographic vicinity” and that “pottery of the Delaware Indians produced a darker ceramic that was filled with natural impurities, such as grass and stones.” Also, the vessel's symmetrical shape may have been created in a mold, which differs from the coiling technique common to North American pottery.

Another significant differentiation between Kaolin and earthenware pottery is Kaolin requires a much higher and consistent firing temperature (2400 F) produced by an enclosed kiln, compared to the lower temperatures produced in the open pit wood firing method traditionally used by Native Americans.

[Left]Top view of ceramic stopper, [Right] Vessel showing splayed layers

It is believed the main section of the vessel may have been manufactured “in a series of stages” as suggested by the splaying of the layers and structural rings around the neck and mid-section. Based upon microscopic examination, the top and bottom sections appear to be joined and sealed by the structural band around the mid-section.

The first use of Kaolin is credited to the ancient Chinese who over the centuries perfected it's use in creating fine porcelains and Kaolin's alternative name, China clay. By the 14 th century, the highly desirable products were being imported into European markets.

In North America, huge deposits of high-quality Kaolin are located in the Augusta and Macon, Georgia region. Despite being adjacent to the raw material, two early 19 th century South Carolina industrial pottery companies failed to make Kaolin products a commercial success.

Ex-Christies Byzantine Ceramic "Greek Fire" Grenade, 10th C. AD, photo by xupes.com

The utilitarian purpose of the artifact remains confusing. A vessel with a stopper suggests it was used for the storage of a liquid or powder, however the stopper has a hole extending thru it which narrows down possible uses.

Results from museum inquiries around the World and other research for similar clay vessels with a small hole in the stopper, and a mid-section ring feature, has proved unsuccessful thus far. Somewhat similar examples were mostly described as perfume vessels and some examples as “Greek Fire” incendiary grenades. There were no examples from the Colonial Period of North America which were remotely similar.

Interior view of ceramic stopper with hole

From an appearance perspective, it is impossible to differentiate between those described as perfume containers versus a grenade. Scientific literature on such Sphero-Conical vessels shows there is a continuing debate whether they were for storing valuable liquids or had a military application, and only can be determined empirically thru analysis of residue. This may be a possible future course for the owner since there is small area in which it appears liquid has pooled and dehydrated.

Until then, the owner remains curious and hopes that exposure of the artifact in the media will produce provenance information. (Comments can be directed to www.precontact.org)

[Left] 1.0 mm bas-relief star washed with translucent blue quartz pigment with reflective cartouche [Right] 4.7cm Copper artifact

An elevated site above a river is a desirable place to settle regardless of the time period. The ceramic vessel and other unusual artifacts retrieved from the site makes one pause and consider the countless generations and cultural groups that called it home.

Featured image: Kaolin ceramic vessel with ceramic stopper, 10cm x 4 cm, photo by owner

Photos courtesy of author, Jon R. Haskell, Indigenous Peoples Research Foundation ©2015


Ver el vídeo: Exposicion Vasijas Efigie: Rostros y Formas (Mayo 2022).


Comentarios:

  1. Efron

    A mí una situación similar. Podemos examinar.

  2. Somerset

    Considero que comete un error. Vamos a discutir. Escríbeme en PM, hablaremos.

  3. Thurston

    Hoy leí mucho sobre este tema.



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